जापानी गिल्ट कांस्य मुकुट

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जापानी गिल्ट कांस्य मुकुट - इतिहास

जापान के बुशी = जापान के मूर्तिकार
जापान की बुद्ध प्रतिमाएं किसने बनाईं?
मूर्तिकार, स्कूल और कार्यशालाएं
जापानी बौद्ध प्रतिमा में
असुका युग, तोरी बुशी, तोरिहा स्कूल

कीवर्ड
कुरात्सुकुरी-बी
कुरात्सुकुरी
शीबा तत्सुतो
तोरी
तोरी बुशी
तोरी स्कूल
तोरिहा स्कूल
तोरी शिकी
तोरी योशिकी

  • तोरी बुशियो , उस समय के प्रसिद्ध कांस्य मूर्तिकार। बुशी बौद्ध मूर्तिकार के लिए शब्द है। शब्दावली देखें।
  • तोरिहा (टोरी स्कूल) कार्य का श्रेय तोरी बुशी या उनके शिष्यों को जाता है।
  • कुरात्सुकुरी नो तोरी . तोरी के लिए टोरी बुशी का दूसरा नाम कथित तौर पर जापान में रहने वाले चीनी शिल्पकारों के एक समूह का प्रमुख था, जिसे कुरात्सुकुरी-बी कहा जाता था। अधिकांश संसाधनों के अनुसार, तोरी एक चीनी आप्रवासी शिबा तत्सुतो (शिबा टैटू भी पढ़ते हैं) के पोते थे, जिनके कबीले ने मूल रूप से घोड़े की काठी बनाई थी, एक कला जिसमें धातु की ढलाई और अन्य शिल्पों के ज्ञान की आवश्यकता होती है। अन्य सूत्रों का कहना है कि तोरी कोरिया की रहने वाली थी।
  • तोरी योशिकी (योशिकी, युशिकी)। Tori Shiki भी लिखा है। शब्द का शाब्दिक अर्थ है “तोरी शैली।” तोरी बुशी जापान के शुरुआती असुका काल की कला के प्रतीक के रूप में आए, और उनके हाथ से या उनके प्रशिक्षुओं द्वारा बनाई गई मूर्तियों को तोरी योशिकी या तोरी शिकी के रूप में लेबल किया गया है। कला के विद्वान इस बात से सहमत हैं कि टोरी-शैली की मूर्तिकला चीन के उत्तरी और पूर्वी वेई साम्राज्यों की बौद्ध कला से प्रभावित थी (चौथी से ६ठी शताब्दी के अंत में), जो कोरियाई प्रायद्वीप पर गृहयुद्ध से भागे कोरियाई लोगों द्वारा बड़े हिस्से में जापान को प्रेषित की गई थी। असुका-अवधि की मूर्तिकला के मुख्य शैलीगत तत्वों में एक चिह्नित ललाट (पक्षों या छवियों के पीछे की कोई चिंता नहीं है), अर्धचंद्राकार होंठ ऊपर की ओर मुड़े हुए, बादाम के आकार की आंखें और वस्त्रों में सममित रूप से व्यवस्थित सिलवटों में शामिल हैं। तोरी शैली इन कलात्मक तत्वों से काफी प्रभावित थी, जो कोरिया के पाकेचे (जेपी. = कुदरा ) और सिला (जेपी. = शिनरा या शिरागी ) राज्यों के अप्रवासियों के साथ जापान में प्रवेश किया। बहरहाल, टोरी का काम स्टॉक पोज़, ज्यामितीय कठोरता, और कुछ हद तक लम्बी चेहरे और शरीर की विशेषताओं के बावजूद कोमलता और आंतरिक शांति दोनों का संचार करता है जो इस अवधि की विशेषता है।
  • कोरियाई प्रभाव पर ध्यान दें। सिला (जेपी = शिरागी 新羅), पाकेजे / पाके (जेपी = कुदरा 百済) और कोगुरियो / गोगुरियो (जेपी) के तीन कोरियाई साम्राज्यों के बीच लगातार युद्ध से बचने के लिए ६वीं और ७वीं शताब्दी में बड़ी संख्या में कोरियाई जापान भाग गए। कोकुरी ). इन अप्रवासियों ने कई बौद्ध चित्र और ग्रंथ लाए, और बौद्ध शिक्षाविदों, शिक्षकों, मूर्तिकारों, कारीगरों और वास्तुकारों के रूप में प्रमुख भूमिकाएँ निभाईं। उदाहरण के लिए, जापान के ८२१७ के शुरुआती मंदिर ढांचे कोरियाई कारीगरों द्वारा बनाए गए थे। कोरियाई प्रभाव पर अधिक जानकारी के लिए यहां क्लिक करें।

तोरी स्कूल का मौजूदा कार्य

  • कोरियाई प्रभाव। अवधि की तोरी-शैली की छवियों को छोड़कर, अन्य महत्वपूर्ण टुकड़े हैं "सोए हुए बोधिसत्व, जो ध्यान में आधा झुके हुए हैं" (बोसात्सू हांकाज़ो 菩薩半跏像) चुगुजी मंदिर में है, जो नारा में होरीयू-जी मंदिर 法隆寺 (होरियोजी) का हिस्सा था। विशेष रूप से मिरोकू बोसात्सू की मूर्तियां असुका काल के दौरान व्यापक थीं, और कई कोरियाई मॉडल से पुन: प्रस्तुत की गई थीं। कोरिया के प्रभाव के विवरण के लिए असुका-युग कला फोटो यात्रा पृष्ठ देखें।


मिरोकू बोसात्सु - एक ही मूर्ति के दो दृश्य
७वीं शताब्दी ई., लकड़ी, ऊंचाई में ८७ सेमी
छोगोजी मंदिर (चुगुजी) नारस में

    कुदरा कन्नन . अधिकांश विद्वानों का मानना ​​है कि यह प्रसिद्ध मूर्ति कोरिया से आई है या जापान में रहने वाले कोरियाई कारीगरों द्वारा बनाई गई है। मूर्ति का नाम - कुदरा कन्नन - का शाब्दिक अर्थ है "पाकेचे कन्नन।" पाकेचे (पाकेजे ) इस अवधि के दौरान कोरिया के तीन राज्यों में से एक था, और कन्नन एशिया में सबसे प्रिय बौद्ध देवताओं में से एक है। मूर्ति का अत्यधिक पतलापन पहली बार में विचित्र लगता है, लेकिन चेहरे की शांति और ताज में सुंदर ओपनवर्क कांस्य अद्भुत है। फूलदान कन्नन की करुणा के '8220 अमृत' का प्रतीक है - यह उन लोगों की प्यास को शांत करता है जो सहायता के लिए कन्नन से प्रार्थना करते हैं। कई संकेत हैं कि मूर्ति कोरिया से आई थी (या जापान में कोरियाई कारीगरों द्वारा बनाई गई थी)। टुकड़े की श्रेष्ठ कारीगरी, साथ ही कई शैलीगत बारीकियां (बेहोश मुस्कान, पतला चेहरा, पतला शरीर, परिधान में सिलवटों, प्रभामंडल) सभी पाके कारीगरों की पहचान हैं और आम तौर पर कोरिया के थ्री किंगडम काल की कलाकृति के अनुरूप हैं। पुस्तक में जापानी संस्कृति पर कोरियाई प्रभाव (कोरिया: हॉलीम इंटरनेशनल कार्पोरेशन, १९८४), लेखक जॉन कार्टर कोवेल और एलन कोवेल का कहना है कि पेके के प्रभाव का सबसे प्रमुख सुराग क्राउन का हनीसकल-कमल पैटर्न है, जो पाके के मकबरे में खोजी गई कलाकृतियों में भी पाया जा सकता है 39s राजा Munyong (शासनकाल +501-523)। वे कहते हैं कि दाखलताओं का कोइलिंग, साथ ही मुकुट की पंखुड़ियों से उभारों की संख्या, लगभग समान मौजूदा कोरियाई टुकड़ों के समान है।

    असुका काल में बढ़ई
    नीचे पाठ सौजन्य टाइम पत्रिका, 16 फरवरी, 2004
    ओसाका के टेनोजी पड़ोस में २०२ बौद्ध अभयारण्यों में से एक है जो सबसे अलग है: शितेनोजी (शितेनोजी), एक शाही (प्रिंस शोटोकू) द्वारा शुरू किया गया पहला जापानी मंदिर और जापान के सबसे पुराने बौद्ध परिसरों में से एक। धर्म के देश के तटों पर पहुंचने के कुछ ही दशक बाद +५९३ में निर्माण शुरू हुआ। Shitennoji के लिए बढ़ई में से एक, शिगेमित्सु कोंगो, परियोजना के लिए कोरियाई साम्राज्य Paekche (Jp. = Kudara ) से जापान गए। डेढ़ सहस्राब्दी से अधिक, शितेनोजी को आंधी से गिरा दिया गया है और बिजली और गृहयुद्ध से जमीन पर जला दिया गया है - और शिगेमित्सु के वंशजों ने इसके सात पुनर्निर्माणों की निगरानी की है। आज, मंदिर की अनदेखी करने वाले कार्यालयों से बाहर काम करते हुए, कोंगो गुमी कंपनी को जापान में कंपनी का नेतृत्व करने के लिए ४०वें कोंगो, ५४ वर्षीय राष्ट्रपति मासाकाज़ु कोंगो द्वारा चलाया जाता है। उनका कारोबार 1,410 साल पहले शुरू हुआ था और माना जाता है कि यह दुनिया का सबसे पुराना परिवार संचालित उद्यम है। टाइम पत्रिका से > का उद्धरण दें

  • जानूस।जापानी वास्तुकला और कला नेट उपयोगकर्ता प्रणाली। जापानी कला इतिहास को समर्पित ऑनलाइन डेटाबेस। स्वर्गीय डॉ मैरी नेबर पेरेंट द्वारा संकलित, इसमें बौद्ध और शिंटो दोनों देवताओं को बहुत विस्तार से शामिल किया गया है और इसमें 8,000 से अधिक प्रविष्टियां हैं।
  • डॉ गैबी ग्रेव।जापानी बुशी पर उसका पेज देखें। गैबी-सान ने आधुनिक युग के माध्यम से ईदो काल के लिए अधिकांश शोध और लेखन किया। वह एक नियमित साइट योगदानकर्ता है, और हाइकू से दारुमा तक के विषयों पर कई सूचनात्मक वेब साइटों का रखरखाव करती है। बहुत धन्यवाद गैबी-सान।
    हेइबोन्शा, कामाकुरा काल की मूर्तिकला। जापानी कला के हेइबोन्शा सर्वेक्षण से हिसाशी मोरी द्वारा। हेइबोंशा (टोक्यो) और जॉन वेदरहिल इंक द्वारा संयुक्त रूप से प्रकाशित। मेरे दिल के करीब एक किताब, यह प्रकाशन उन कलाकारों को बहुत समय देता है जिन्होंने कामाकुरा युग के मूर्तिकला खजाने को बनाया, जिसमें उन्केई, टंकी, कोकेई, कैकेई और कई अन्य शामिल हैं। अत्यधिक सिफारिशित। पहला संस्करण 1974। आईएसबीएन 0-8348-1017-4। अमेज़न पर खरीदें।

जापानी वेब साइट

कॉपीराइट 1995 - 2012। मार्क शूमाकर। ईमेल मार्क।
सभी कहानियां और तस्वीरें, जब तक कि अन्यथा निर्दिष्ट न हो, शूमाकर द्वारा।
www.onmarkproductions.com | दान करो

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भगवान गणेश जापान में कांगिटें हैं

गणेश या कांगी-टेन (歓喜天) जापानी बौद्ध धर्म के शिंगोन और #038 तेंदई स्कूलों में एक देवता हैं। सोशिन कांगी-टेन (पुरुष & महिला आलिंगन रूप), ईविल विनायक, सरस्वती (बेंजाइटन), बिशामोंटेन (कुबेर) आदि के पीछे की किंवदंतियां।
वह गणेश का जापानी बौद्ध रूप है और कभी-कभी बोधिसत्व के साथ पहचाना जाता है अवलोकितेश्वर (वह जो संवेदनशील प्राणियों की पुकार सुनता है जिन्हें सहायता की आवश्यकता है)।
कांगितेन को कांकी-दस (दस का अर्थ भगवान या देव), शो-टेन (聖天, ‘) के नाम से भी जाना जाता है।पवित्र देवता‘ या ‘महान भगवान’), दाइशो-दस (‘महान महान देवता‘), दाइशो कांगी-टेन (大聖歓喜天), टेनसन (天尊, ‘ .)आदरणीय भगवान‘), कांगी जिज़ाई-टेन (歓喜自在天), शोडेन-सामा, विनायक-टेन या बिनायक-टेन (毘那夜迦天), गणपति (誐那缽底) और ज़ोबी-टेन (象鼻天) .
कहा जाता है कि गणेश या विनायक हमेशा में रहते हैं तुरिया (तुर्य) स्थिति, जो मन की चौथी और आनंदमय अवस्था है।
अन्य 3 अवस्थाएँ हैं जाग्रत चेतना, स्वप्न और स्वप्नहीन नींद, जो आमतौर पर चेतना की सामान्य अवस्थाएँ होती हैं और तुरिया इन तीन अवस्थाओं से परे होती हैं।
यह कांगितेन होने के साथ मेल खाता है आनंद के देवता.
गाबाची या गणपति के रूप में भी जाना जाता है (गणपति गणेश का एक लोकप्रिय विशेषण है) और गौवा (गणेश)। गणेश की तरह, बिनायक बाधाओं को दूर करने वाले हैं, लेकिन जब उन्हें प्रसन्न किया जाता है, तो वे भौतिक भाग्य, समृद्धि, सफलता और स्वास्थ्य प्रदान करते हैं।

जापान में कंगिटेन का इतिहास

कांगितेन पहली बार आठवीं-नौवीं शताब्दी सीई में जापानी बौद्ध पंथ में एक मामूली देवता के रूप में उभरा, संभवतः शिंगोन बौद्ध धर्म के संस्थापक कुकाई (774-835) के प्रभाव में। हिंदू गणेश आइकन ने चीन की यात्रा की, जहां इसे बौद्ध धर्म में शामिल किया गया, फिर आगे जापान की यात्रा की।
कांगितेन की शिंगोन में प्रारंभिक भूमिका, बौद्ध धर्म में शामिल अधिकांश अन्य हिंदू देवताओं की तरह, जुड़वां मंडलों के एक नाबालिग अभिभावक की है। बाद में, कांगितेन एक स्वतंत्र देवता, बेसन के रूप में उभरे। कंगिटेन कई जापानी बेसन गाइडों में दिखाई देता है, जो हीयन काल (794-1185) में संकलित है। जबकि इसमें प्रारंभिक चीनी ग्रंथों की तरह अनुष्ठान और प्रतीकात्मक रूप शामिल हैं, यह हिंदू गणेश की बौद्ध प्रकृति को सही ठहराने के लिए देवता के मूल मिथकों का परिचय देता है।
प्रारंभिक छवियां उसे दो या छह भुजाओं के साथ दिखाती हैं। तिब्बती बौद्ध धर्म के तांत्रिक प्रभाव के तहत, स्पष्ट यौन अर्थों के साथ दोहरी कांगिटन की पेंटिंग और गिल्ट-कांस्य छवियां देर से हियान काल में उभरीं, जहां इस तरह की यौन कल्पना (याब-यम) आम ​​थी। कन्फ्यूशियस नैतिकता का पालन करने के लिए दुर्लभ जापानी यौन प्रतिमा को लोगों की नज़रों से छिपा दिया गया था।
कांगितेन अब शिंगोन में एक महत्वपूर्ण देवता बन गए हैं।

पुरुष और महिला रूपों के साथ सोशिन कांगी-दस (दोहरी कांगितें) एक साथ

सोशिन कांगी-टेन (“दोहरे शरीर वाले आनंद के देवता”) नामक दोहरी कांगिटन आइकन शिंगोन बौद्ध धर्म की एक अनूठी विशेषता है। इसे भी कहा जाता है सोशिन बिनायक जापानी में, कुआं-शि तेन चीनी और में नंदिकेशवरा (नंदी नहीं) संस्कृत में।
एक हाथी के सिर वाले नर और मादा जोड़े के रूप में प्रतिनिधित्व करते हैं, जो एक दूसरे को गले लगाते हैं।
जोड़ी के लिंग स्पष्ट नहीं हैं, लेकिन आइकनोग्राफी में संकेत दिए गए हैं। मादा एक मुकुट पहनती है, एक बंधुआ साधु का लबादा और एक लाल सरप्लस, जबकि नर अपने कंधे पर एक काला कपड़ा पहनता है। उसके पास एक लंबी सूंड और दांत हैं, जबकि उसके पास छोटे हैं। वह लाल-भूरे रंग का है और वह सफेद है। वह आमतौर पर अपने पैरों को उस पर टिकाती है, जबकि वह अपना सिर उसके कंधे पर टिकाता है।
इस नर+मादा कांगितें रूप की शुरुआत के बारे में कोई ठोस सबूत नहीं है। यह पहली बार चीनी ग्रंथों में पाया जाता है, जो चीनी तांत्रिक बौद्ध धर्म से संबंधित है, जो पर केंद्रित था बुद्ध वैरोकाना और तीन महान आचार्यों द्वारा प्रचारित शुभकरसिंह, वज्रबोधी, तथा अमोघवज्रा. NS धरणीसमुच्य भिक्षु द्वारा चीनी में अनुवादित अतिगुप्त (अतीकुता) ६५४ सीई में दोहरी कांगितेन की पूजा करने के लिए एक अनुष्ठान का वर्णन किया गया है, उसी अनुष्ठान को अमोघवजरा (७०५-७७४) ने अपने अनुष्ठान पाठ दाईशोटेन कांगी सोशिन बिनायक हो में दोहराया था। अमोघवजरा सोशिन कांगितेन को एक देवता के रूप में वर्णित करता है, जो किसी की इच्छाओं को पूरा करता है और एक त्रायका, बुराई और विपत्ति के खिलाफ रक्षक। यह दोहरे कांगितेन के साथ-साथ छह-सशस्त्र शोटेन के पक्ष में प्राप्त करने के लिए अनुष्ठानों और मंत्रों का विवरण देता है। अमोघवज्र के एक अन्य पाठ में, सोशिन कांगितेन को अ . कहा जाता है बोधिसत्त्व.

कांगितेन को प्रसन्न करने के लिए तीन भौतिक चीजों को प्राप्त करने के लिए अनुष्ठानों का वर्णन किया गया है: राजत्व, समृद्धि और पर्याप्त भोजन और वस्त्र। पाठ विशेष रूप से शराब, “ . को निर्धारित करता हैआनंद का जल” कांगितेन को भेंट के रूप में।
शुभकरसिंह (आठवीं शताब्दी की शुरुआत में), अमोघवजरा से पहले की, लेकिन डेटिंग के बाद के अतीगुप्त की रचना सी में हुई। 723-36, शिव के साथ कांगितेन की बराबरी करता है और हिंदू राजा विनायक को अवलोकितेश्वर (कन्नोन) के साथ जोड़ता है।
द्वैत कांगिटें भी पत्नियों के साथ गणेश के हिंदू तांत्रिक चित्रण द्वारा किया गया हो सकता है।

जापान में बुराई विनायक की किंवदंती

कई जापानी बौद्ध सिद्धांत हैं जो विनायक की दुष्ट प्रकृति के बारे में कहानियां बताते हैं। NS कांगिसोशिंकुयोहो साथ ही शुभकरसिंह के प्रारंभिक चीनी पाठ में वर्णन किया गया है कि राजा विनायक (बिनायक) उमा (हाय) (पार्वती, गणेश की माता) और गणेश के पिता महेश्वर (शिव) के पुत्र थे। उमा ने अपनी बाईं ओर से 1500 बच्चे पैदा किए, विनायक (बिनायक) के नेतृत्व में कई दुष्ट विनायक और अवलोकितेश्वर - सेनानायक (सेना के भगवान [देवताओं के], की पहचान के नेतृत्व में उनके दाहिने, परोपकारी गुणी यजमान थे। युद्ध के हिंदू देवता के साथ स्कंद, गणेश के भाई), विनायक के विरोधी। सेनानायक ने उसे हराने के लिए बड़े भाई (हिंदू परंपरा के अनुसार) या विनायक की पत्नी के रूप में कई जन्म लिए। फिर शुभकरसिंह के पाठ में कहा गया है कि पत्नी के रूप में, सेनानायक ने विनायक को गले लगा लिया, जिससे द्वैत कांगिटें का प्रतीक बन गया। जापानी पंथ में, कांगितेन को इडा-टेन का भाई माना जाता है, जिसे स्कंद से पहचाना जाता है।

एक अन्य किंवदंती बताती है कि माराकेरा के राजा केवल गोमांस और मूली खाते थे। जब ये दुर्लभ हो गए, तो उन्होंने मानव लाशों और अंत में जीवित प्राणियों पर दावत देना शुरू कर दिया, महान दानव-राजा विनायक में बदल गए, जिन्होंने विनायकों की एक सेना की कमान संभाली। लोगों ने अवलोकितेश्वर से प्रार्थना की, जिन्होंने एक महिला विनायक का रूप लिया और विनायक को बहकाया, उसे आनंद (कंगी) से भर दिया। इस प्रकार, वह, उसके साथ मिलकर, दोहरी कंगिटेन बन गया।

कुकोज़ेन्शो बताता है कि ज़ैजीज़ई, महेश्वर की पत्नी, का शोटेन नाम का एक बेटा था, जिसे उसकी दुष्ट और हिंसक प्रकृति के कारण स्वर्ग से निकाल दिया गया था। गुंडारी (कुंडली) नाम की एक सुंदर देवी ने एक भयानक राक्षसी का रूप धारण किया और शोटेन से शादी की, जिससे वह अच्छे रास्ते पर चला गया। एक अन्य कथा में कहा गया है कि कांगितेन महाेश्वर की दुष्ट पुत्री थी, जिसे स्वर्ग से निकाल दिया गया था। उसने बिनायक पर्वत पर शरण ली और एक साथी पुरुष-बिनायक से विवाह किया, जिसके परिणामस्वरूप दोहरी कंगिटेन आइकन हुआ।
दोहरी कंगिटेन की कथा के जापानी संस्करण इस बात पर जोर देते हैं कि विनायक (पुरुष) और वैनायकी (महिला) का मिलन एक दुष्ट बाधा निर्माता को एक सुधारित व्यक्ति में बदल देता है।
इस कहानी के पीछे का विचार गणेश के कुंडली (हमारे शरीर में वास करने वाली योग शक्ति) के संबंध को इंगित करता है।
यह कुण्डली या कुण्डलिनी हमारे यहाँ मौन ऊर्जा के रूप में निवास करती है मूलाधार चक्र (रीढ़ की हड्डी के निचले सिरे पर, कोक्सीक्स के नीचे) एक हाथी के रूप में जो सोते समय अपनी सूंड को मोड़ता है।
यही कारण है कि मूलाधार में कुंडलिनी जगाने के लिए गणेश, (प्रतीकात्मक भगवान) को उनके मूल मंत्र के साथ ध्यान में रखा जाता है।

जापान में अन्य देवताओं के साथ कंगीतेन की पूजा

कांगितें को महान शक्ति से संपन्न माना जाता है। कांगितेन को मंदिरों के रक्षक के रूप में माना जाता है और आमतौर पर जुआरी, अभिनेता, गीशा और लोग “ के व्यवसाय में उनकी पूजा करते हैं।आनंद“. देवता को प्रसन्न करने और यहां तक ​​कि इस बाधा-निर्माता को दूर भगाने के लिए अक्सर अनुष्ठान ग्रंथों में मंत्रों का निर्धारण किया जाता है। चावल की शराब (खातिर), मूली और “ब्लिस-बन्स” (कंगी-दान) भगवान को अर्पित किए जाते हैं।
माउंट इकोमा के शिखर पर होज़ान-जी उनका सबसे महत्वपूर्ण और सक्रिय मंदिर है। हालांकि माना जाता है कि मंदिर की स्थापना छठी शताब्दी में हुई थी, यह १७वीं शताब्दी में तब सुर्खियों में आया जब भिक्षु टंकाई (१६२९-१७१६) ने मंदिर के गोहोनजोन, एक हियान काल, दोहरी की गिल्ट-कांस्य छवि बनाई। कांगितेन, आकर्षण का केंद्र। जेनरोकू युग (१६८८-१७०४) में, ओसाका व्यापारी, विशेष रूप से वनस्पति-तेल विक्रेता, कांगितेन के पंथ में शामिल हुए, उनकी सफलता का श्रेय उनकी पूजा को दिया।

दाइशो-इन या डेज़ीयो-इन (大聖院?)


जापानी गिल्ट कांस्य मुकुट - इतिहास

लोरेंजो घिबर्टी (इतालवी, १३७८ और ndash1455)। याकूब और एसाव पैनल, से जन्नत के द्वार, 1425&ndash52. गिल्ट कांस्य। म्यूजियो डेल'ओपेरा डेल डुओमो का संग्रह। छवि सौजन्य ओपिसियो डेले पिएत्रे ड्यूर, फ्लोरेंस।


परिचय
25 से अधिक वर्षों के बाद, लोरेंजो घिबर्टी का संरक्षण स्वर्ग के द्वार पूरा होने के करीब है। प्रदर्शनी द "गेट्स ऑफ़ पैराडाइज़": लोरेंजो घिबर्टी की पुनर्जागरण उत्कृष्ट कृति म्यूजियो डेल'ओपेरा डेल डुओमो, फ्लोरेंस में स्थायी रूप से स्थापित होने से पहले, पुराने नियम के विषयों के तीन कांस्य दरवाजों के प्रसिद्ध कथा राहतों के साथ-साथ चौखट से चार अतिरिक्त खंडों को देखने का एक अभूतपूर्व अवसर प्रदान करता है। यह उनकी बहाली के दौरान किए गए महत्वपूर्ण नए निष्कर्षों को भी प्रकट करता है, जिसमें निर्माण प्रक्रिया में अंतर्दृष्टि और घिबर्टी की कल्पना और तकनीकों का विकास शामिल है।

15 वीं शताब्दी के मध्य में बनाया गया और बैपटिस्टी के पूर्वी पोर्टल में स्थापित किया गया स्वर्ग के द्वार पुराने नियम के दृश्यों के सम्मोहक चित्रण के लिए कलाकारों और कला इतिहासकारों की पीढ़ियों द्वारा प्रशंसा की गई है। समय के साथ, सत्रह फुट ऊंचे, तीन टन के कांस्य दरवाजे पुनर्जागरण कला का प्रतीक बन गए और फ्लोरेंस में नागरिक और धार्मिक जीवन की कसौटी बन गए। यह प्रदर्शनी के बाएं दरवाजे से तीन पैनल दिखाती है स्वर्ग के द्वार, जो आदम और हव्वा, याकूब और एसाव और डेविड और गोलियत की कहानियों को दर्शाती है। प्रदर्शनी में दरवाजे के फ्रेम से भविष्यवक्ताओं के आंकड़े और प्रमुख भी शामिल हैं, और यह कला संस्थान के स्थायी संग्रह के कार्यों के साथ गिबर्टी के करियर के दौरान फ्लोरेंस और सिएना में कला की विकसित प्रकृति की पड़ताल करता है।


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NS स्वर्ग के द्वार पैनल—सामग्री और शैली
1425 में लोरेंजो घिबर्टी को फ्लोरेंस की बैपटिस्टी के लिए कांस्य दरवाजे की दूसरी जोड़ी डिजाइन करने के लिए कमीशन किया गया था। उन्होंने 27 वर्षों तक इस कार्य पर काम किया, एक उत्कृष्ट कृति का निर्माण किया जिसे माइकल एंजेलो ने अपनी उल्लेखनीय सुंदरता और भव्यता के लिए "वास्तव में स्वर्ग के द्वार बनने के योग्य" कहा। पैनल दर्शकों को घिबर्टी की कलात्मक प्रतिभा और परिप्रेक्ष्य के उनके अभिनव उपयोग की एक सुसंगत दृष्टि प्रदान करते हैं। मूल रूप से स्वर्ग के द्वार बैपटिस्टी के दरवाजों के पहले के सेटों की तरह 28 अंजीर के पैनल होने थे, लेकिन इस योजना को घटाकर 10 पैनल कर दिया गया था, यह निर्णय शायद घिबर्टी के सौंदर्य संबंधी निर्णय से प्रभावित था।

NS आदम और हव्वा पैनल दस्तावेजों में घिबर्टी के दरवाजे पर सबसे शुरुआती काम है और इसमें एंजेलिक मेजबानों द्वारा स्थापित परिदृश्य में नग्न आकृतियों का शानदार चित्रण है। घिबर्टी ने आदम और हव्वा की कहानी के चार प्रमुख एपिसोड को इस सामंजस्यपूर्ण पैनल में जोड़ा। दूर बाईं ओर अग्रभूमि में सचित्र आदम की रचना, आदम को अर्धचेतन की स्थिति में दिखाती है, जो परमेश्वर के जीवन देने वाले स्पर्श के जवाब में उठती है। केंद्र में, जैसा कि स्वर्गदूत देखते हैं, परमेश्वर ने आदम की एक पसली से हव्वा का निर्माण किया। सर्प द्वारा आदम और हव्वा के प्रलोभन को बाईं ओर की पृष्ठभूमि में दिखाया गया है, जबकि पैनल के दाहिने हिस्से में ईडन से जोड़े के निष्कासन को दर्शाया गया है। आंकड़ों के पैमाने में सूक्ष्म बदलाव सृष्टि की कहानी में असतत प्रकरणों को सुदृढ़ करते हैं। घिबर्टी ने चार दृश्यों को नेत्रहीन रूप से अलग करने के लिए स्वर्गदूतों के प्रक्षेपण के पैमाने और डिग्री को संशोधित किया।

में याकूब और एसाव पैनल, घिबर्टी ने कथा के निर्माण के लिए रैखिक परिप्रेक्ष्य की एक नई प्रणाली को नियोजित किया। उन्होंने कहानी के एपिसोड को एक पुनर्जागरण लॉजिया के केंद्रीय मेहराब द्वारा तैयार किए गए एक लुप्त बिंदु के आसपास व्यवस्थित किया। यह पैनल, इसके लगभग त्रि-आयामी अग्रभूमि के आंकड़े, वैज्ञानिक परिप्रेक्ष्य के उत्कृष्ट उपयोग और प्रभावशाली वास्तुकला के साथ, यह दर्शाता है कि कलाकार फ्लोरेंटाइन भ्रम और कहानी कहने की अगुवाई में था। पैनल में, याकूब अपने बड़े भाई, एसाव का जन्मसिद्ध अधिकार, और उनके पिता, इसहाक का आशीर्वाद प्राप्त करता है, इस प्रकार इस्राएलियों का संस्थापक बन जाता है। रिबका को बाईं ओर आर्केड के नीचे जुड़वा बच्चों को जन्म देते हुए दिखाया गया है। ऊपरी दाहिनी ओर छत पर, घिबर्टी ने उसे अपने बेटों के भविष्य के संघर्ष की भविष्यवाणी प्राप्त करने का चित्रण किया।

केंद्रीय मेहराब के अंदर फंसा हुआ, एसाव जैकब को जेठा के रूप में अपने अधिकार बेचता है, जो बदले में अपने भूखे भाई को सूप का कटोरा देता है। पैनल के सामने के केंद्र में, इसहाक एसाव को शिकार भेजता है, और, दाहिने अग्रभूमि में, जैकब अंधे इसहाक के सामने घुटने टेकता है, जो, याकूब की पीठ पर एक बालों वाली बकरी की खाल महसूस करता है, उसे एसाव मानता है और गलती से उसे आशीर्वाद देता है सबसे बड़ा बेटा।

में डेविड पैनल, घिबर्टी ने विशाल गोलियत पर युवा डेविड की जीत का चित्रण किया। डेविड को अग्रभूमि में एक पत्थर से मारने के बाद विशाल के सिर को काटते हुए दिखाया गया है। इस प्रकरण के ऊपर, राजा शाऊल - स्पष्ट रूप से लेबल किया गया और युद्धरत इस्राएलियों और पलिश्तियों से ऊपर उठाया गया - शत्रु को नष्ट करने में अपनी सेना का नेतृत्व करता है। पहाड़ों में एक फांक से पता चलता है कि दाऊद और उसके अनुयायी गोलियत के सिर को यरूशलेम की ओर ले जा रहे थे।

घिबरती का प्रभाव
घिबर्टी ने अपने दूसरे बैपटिस्टी दरवाजे में मानव आकृति और परिप्रेक्ष्य के लिए एक नया दृष्टिकोण स्थापित किया, जिसने उनके कलात्मक समकालीनों को बहुत प्रभावित किया। बार्टोलोमेओ डि जियोवानी'स सेंट जॉन द बैप्टिस्ट के जीवन के दृश्य कला संस्थान के स्थायी संग्रह से घिबर्टी की कथा शैली के प्रभाव को दर्शाता है, जैसा कि इसमें देखा गया है याकूब और एसाव पैनल. घिबर्टी का प्रभाव एक आंतरिक स्थान के खुले दृश्य और संरचना में वितरित आंकड़ों के असतत समूहों में स्पष्ट है, प्रत्येक कहानी का एक अलग हिस्सा बता रहा है।


बनाना स्वर्ग के द्वार
पुनर्जागरण के दौरान, कांस्य संगमरमर की तुलना में कहीं अधिक महंगा था, और इसने औद्योगिक ढलाई से पहले के युग में महत्वपूर्ण तकनीकी कठिनाइयों का सामना किया। घिबर्टी ने बनाया स्वर्ग के द्वार खोई-मोम की ढलाई के रूप में जानी जाने वाली तकनीक का उपयोग करना। मिट्टी या मोम में चित्र और स्केच मॉडल बनाने के बाद, उन्होंने राहत के हर घटक के पूर्ण पैमाने पर विस्तृत मोम के निरूपण तैयार किए। (कुछ वैज्ञानिकों और विद्वानों का मानना ​​​​है कि उन्होंने अपनी राहत को सीधे मोम में बनाया है, दूसरों का प्रस्ताव है कि उन्होंने एक अन्य सामग्री में एक प्रारंभिक मॉडल बनाया और फिर एक अप्रत्यक्ष मोम की कास्ट बनाई।) जब घिबर्टी और उनके सहायकों ने एक मॉडल समाप्त किया, तो उन्होंने शाखाओं के पैटर्न में मोम की छड़ें जोड़ दीं। इसकी पीठ को। फिर पूरी राहत को मिट्टी जैसी आग प्रतिरोधी सामग्री में ढक दिया गया और मोम के पिघलने तक गर्म किया गया, जिससे एक खोखला साँचा निकल गया। जिन स्थानों पर छड़ों का कब्जा था, वे स्प्रूस (चैनल) के रूप में कार्य करते थे, जिसके माध्यम से कांस्य राहत की सतह तक पहुँचता था। ढलाई के बाद स्प्रूस को राहत से काट दिया गया था, लेकिन उनके अवशेष अभी भी प्रत्येक पैनल के पीछे दिखाई दे रहे हैं।

घिबरती का काम केवल आधा ही पूरा हुआ था जब उसने कांसे को उनके सांचों से निकाला। उसे अभी भी पीछा करने के समय लेने वाले और थकाऊ काम को पूरा करने की जरूरत थी - यानी, हथौड़े से मारना, नक्काशी करना, चीरना और राहत को पॉलिश करना। एक सुनार के रूप में अपने प्रशिक्षण का उपयोग करते हुए, उन्होंने अपने कई सहायकों को धातु की सतह पर सफाई और विवरण बढ़ाने का निर्देश दिया।

घिबर्टी ने एक कांस्य मिश्र धातु का इस्तेमाल किया जो उस अवधि के अन्य कांस्यों की तुलना में कुछ अधिक कठिन था, लेकिन गिल्डिंग के लिए भी बहुत ग्रहणशील था। उन्होंने पारे के साथ सोने की धूल को मिलाया और मिश्रण को प्रत्येक राहत की सामने की सतह पर रंग दिया। उनके कुछ ब्रशस्ट्रोक अभी भी दिखाई दे रहे हैं, लेकिन अधिकांश भाग के लिए, वे एक चिकनी, चमकदार सतह बनाने में सफल रहे जो हवा और वातावरण का सुझाव देती है। सोने को कांसे का पालन करने के लिए, घिबर्टी ने पारा को जलाने के लिए प्रत्येक राहत को गर्म किया, जिससे केवल सोना ही रह गया। यह एक जहरीली और खतरनाक प्रक्रिया थी जिसका अब उपयोग नहीं किया जाता है।


भविष्यद्वक्ताओं के आंकड़े और प्रमुख
के कथा पैनल स्वर्ग के द्वार 24 प्रोजेक्टिंग हेड्स के साथ बारी-बारी से 20 भविष्यवक्ताओं की एक श्रृंखला द्वारा तैयार किए गए हैं। खड़े आंकड़े, जैसे आला में एक पैगंबर का पुनर्स्थापित चित्र पुराने नियम के भविष्यवक्ताओं, नायिकाओं और भाई-बहनों का प्रतिनिधित्व करते हैं, जिन्हें आम तौर पर मसीह के जन्म की भविष्यवाणी करने का श्रेय दिया जाता है। सिर भी भविष्यवक्ताओं को चित्रित करते हैं, जैसे कि पुनर्स्थापित पैगंबर का सिर लेकिन घिबर्टी और उनके बेटे विटोरियो के चित्र शामिल हैं, जिन्होंने अपने पिता की मृत्यु के बाद भी पारिवारिक कार्यशाला जारी रखी। चौखट के तत्व कथा पैनल के मुख्य विषयों को बढ़ाते हैं और घिबर्टी की कलात्मक आविष्कारशीलता के एक और उदाहरण के रूप में काम करते हैं। प्रदर्शनी में दरवाजे की चौखट से लिए गए दो सिर और दो नबियों को दिखाया गया है। एक सेट की सफाई हुई है दूसरे की नहीं। घिबर्टी की उत्कृष्ट कृति की स्पष्टता और विस्तार को बहाल करने में संरक्षण के प्रभाव को शब्दों की तुलना में प्रत्येक सेट के बीच का अंतर कहीं बेहतर प्रदर्शित करता है।


संरक्षण
संरक्षण से पहले, की गिल्ट सतहें स्वर्ग के द्वार जैसा कि प्रदर्शनी में प्रदर्शित किए गए अनुपचारित पैनलों में देखा गया है, वे विकृत और हानिकारक घुसपैठ से आच्छादित थे। सोने में दरारें और खरोंच ने भी प्रदूषकों को सोने का पानी चढ़ाने और कांस्य के बीच रिसने दिया। गिल्डिंग के पीछे नमी और लवण के परिणामी संचय ने एक प्रतिक्रिया शुरू की जिससे यह बुलबुला बन गया, जिससे पूरी सतह की अखंडता खतरे में पड़ गई।

जब 4 नवंबर, 1966 को अर्नो नदी में फ्लोरेंस में बाढ़ आ गई, तो छह राहत पैनलों के साथ संरक्षण कार्य शुरू हुआ। इन पैनलों को रोशेल लवण और आसुत जल के घोल में डुबोया गया, जिससे सतह के सभी अतिक्रमण भंग हो गए। संरक्षण को बाद में शेष राहतों तक बढ़ा दिया गया था, हालांकि उन्हें अपने सजावटी ढांचे से बाहर निकालने में पांच साल लग गए। पूरे फ्रेम को अंततः 1990 में बैपटिस्टी से हटा दिया गया, जब इसकी एक आधुनिक प्रति स्वर्ग के द्वार स्थापित किया गया था। तब से, लेजर तकनीक ने वैज्ञानिकों और संरक्षकों को शेष पैनलों के लिए एक क्रांतिकारी नई सफाई तकनीक विकसित करने की अनुमति दी है, एक प्रक्रिया प्रदर्शनी के साथ एक वीडियो में सचित्र है।


प्रारंभिक कोरिया पर संदर्भ पुस्तकें

कोरियाई कला और पुरातत्व का शब्दकोश
रोडरिक व्हिटफील्ड (मुख्य संपादक)
होलीम, 2004

352 पीपी। 110 मिमी X 182 मिमी, सॉफ्टकवर।
आईएसबीएन: १-५६५९१-२०१-२

यह प्रकाशन कोरिया की सांस्कृतिक विरासत में रुचि रखने वाले विदेशियों के बीच कोरियाई संस्कृति और कला की व्यापक समझ को बढ़ावा देना चाहता है, और सांस्कृतिक कलाकृतियों के लिए इस्तेमाल की जाने वाली शब्दावली की अंग्रेजी परिभाषाएं और स्पष्टीकरण प्रदान करके विद्वानों के शोध का समर्थन करता है। इस शब्दकोश में 2,824 प्रविष्टियों को चार प्रमुख श्रेणियों में वर्गीकृत किया गया है: पुरातत्व, वास्तुकला, कला इतिहास और लोकगीत। वे क्षेत्रों के वर्गीकरण के बिना, कोरियाई वर्णानुक्रम में सूचीबद्ध हैं।

अर्ली कोरिया प्रोजेक्ट, सीजीआईएस साउथ बिल्डिंग रूम एस२२४, १७३० कैम्ब्रिज स्ट्रीट, कैम्ब्रिज, एमए ०२१३८।
फोन: (६१७) ४९६-३४०३। फैक्स: (६१७) ४९५-९९७६।


प्रतिरूप

  • पहला। केंद्र कमल
  • दूसरा। 6 ड्रेगन सर्पिल पैटर्न
  • तीसरा। डिस्क पैटर्न
  • 4रा. पामेट्स
  • 5वां। लपटें और एक मीनार

कमल और 6 ड्रेगन

प्रभामंडल का दर्पण और स्वरूप

पाल्मेट

7-8वीं सदी की जापानी प्राचीन कलाओं में अक्सर हस्तरेखाओं का उपयोग किया जाता है, लेकिन यह कठोर और अतुलनीय पैटर्न है। हालाँकि पाल्मेट्स की उत्पत्ति हेलेनिस्टिक है, वे सीधे कोरियाई प्रायद्वीप से यात्रा कर सकते हैं। इस कोग्रीओ (उत्तरी कोरिया) मकबरे (ca. A.D.600) फ्रेस्को में निकटतम ताड़ हैं। यह प्योंगयांग के पास नै-ली पहला मकबरा है। यह कई चीनी पत्थर की गुफाओं के आभूषणों की तुलना में अधिक समान है।

समसामयिक समान प्रभामंडल

मीनार और कमल सूत्र

५वें बैंड के शीर्ष पर, ३ खंभों वाला एक टावर/मंडप खुदा हुआ है। एक और उदाहरण है जिसमें यह अजीबोगरीब मीनार है। दायां चित्र जापान के नारा में हसे-डेरा मंदिर में एक कांस्य राहत प्लेट है। यह AD686 में दिनांकित किया गया था। ऊंचाई 91 सेमी। यह लोटस सूत्र (सुधार्म पुंधरिका सूत्र) के अध्याय 12 वें में एक दृश्य है। पृथ्वी से एक मीनार प्रकट हुई और एक प्राचीन बुद्ध (जो वास्तविक बुद्ध से बहुत पहले शिक्षा दे रहे थे) मीनार से आधुनिक बुद्ध की प्रशंसा करते हैं। चूंकि यह नाटकीय दृश्य चीनियों के बीच बहुत लोकप्रिय है, इसलिए कई टॉवर चित्र बनाए गए थे।

ऐसा टावर युंग कांग गुफा छठी गुफा (5वीं शताब्दी ईस्वी) में भी देखा जाता है। यह राहत कांस्य प्लेट के समान है। नॉर्टन वेई काल में, कई छोटी गिल्ट कांस्य छवियां बच गईं, जिनमें बुद्ध छवियों के साथ एक टावर है। इन उदाहरणों पर, मुझे लगता है कि प्रभामंडल की मीनार की छवि कमल सूत्र में एक मीनार होनी चाहिए।

हेलो में आग की लपटें

5 वां बैंड मजबूत और लयबद्ध लौ पैटर्न का प्रतिनिधित्व करता है। पूर्व गिल्ट कांस्य प्रभामंडल इसे पसंद करता है, लेकिन यह तेज है।
मैं चीन में 5-6वीं शताब्दी में लौ पैटर्न के दो उदाहरण दिखाता हूं। यह गिल्ट कांस्य प्रतिमा (चित्र.13) रेफरी। 1987 तक जापान में था, और ताइपे राष्ट्रीय संग्रहालय 44cm ऊंचाई में है। सीए। एडी 480-490। नोथेन वेई गिल्ट कांस्य प्रतिमा की विशिष्ट उत्कृष्ट कृतियों में से एक। यह फ्रेम पैटर्न लकड़ी के प्रभामंडल से मेल खाने के लिए पर्याप्त मजबूत है, लेकिन इसकी शैली अलग है। थोड़ा आयताकार। अन्य छोटी गिल्ट कांस्य प्रतिमा (चित्र.14) टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय में है, यह 542 ई. का अवलोकितेश्वर है। पूर्वी वेई राजवंश। यह कर्लिंग लौ पैटर्न 5 वें बैंड को पसंद करता है। यही कारण है कि ५४२ ईस्वी ७वीं शताब्दी की शुरुआत के करीब है जब हो-रयू-जी की मूर्ति बनाई जानी चाहिए थी।

५-७वीं शताब्दी में लौ पैटर्न हेलो का अर्थ।

लौ पैटर्न चीन में 5 वीं -8 वीं शताब्दी की बौद्ध छवियों से आभास में आम है। होरियू-जी प्रभामंडल इस तरह की प्रवृत्ति को सफल बनाता है। वह उत्तरी वेई गिल्ट कांस्य छवि एक विशिष्ट उदाहरण है।

क्या उनका वास्तव में मतलब आग की लौ से है? यह अजीब है कि पवित्र छवि में आग लगी है। वास्तव में क्रोध और शक्ति का प्रतिनिधित्व करने वाले देवताओं में ८वीं शताब्दी के बाद अग्नि ज्योति का प्रभामंडल रहा है, यह विचारणीय है, लेकिन शांत और ध्यानपूर्ण चित्र भी आग में हैं।

मैं एक परिकल्पना स्थापित करना चाहता हूं। मुझे लगता है कि यह ऊर्जा का उत्सर्जन/विस्फोट हो सकता है जिसे प्राचीन चीनी "की" कहते हैं और क्लाउड पैटर्न के रूप में प्रतिनिधित्व करते हैं। ३ वीं---ई.पू. चौथी शताब्दी से पहले चीनी प्राचीन देवता अक्सर ऐसे ऊर्जा बादल के साथ होते हैं। एक उदाहरण के रूप में यह पेंटिंग एक कांस्य शराब के बर्तन के ढक्कन के पीछे है। यह ऊर्जावान बादल में एक पवित्र पक्षी को दर्शाता है। इस अवधारणा में ५-८वीं शताब्दी के चीनी लोगों ने स्वाभाविक रूप से महसूस किया था कि संत छवियों से ऊर्जा की चमक निकलनी चाहिए।

पेरिस के मुसी गुइमेट में एक गांधार मूर्ति, ऊपर की ओर लपटें और पानी नीचे की ओर। ऐसा आइकन प्रभामंडल में फ्रेम पैटर्न बनाने के लिए एक ट्रिगर हो सकता है, लेकिन यह 5-8 वीं शताब्दी के चीनी लोगों में बहुत लोकप्रिय होने का कारण नहीं है। इसके अलावा प्रभामंडल में लौ की छवियां भारत में दुर्लभ हैं।


तस्वीरों में: मिस यूनिवर्स का ताज सालों तक रहा

सोमवार, 30 जनवरी को मनीला के मॉल ऑफ एशिया एरिना में एक बेहद भाग्यशाली महिला को 65वीं मिस यूनिवर्स का ताज पहनाया जाएगा। वह उस काम को संभालेंगी जिसे मिस यूनिवर्स 2015 पिया वर्त्ज़बैक ने पिछले एक साल में आत्मविश्वास से पूरा किया था। प्रतिष्ठित मिस यूनिवर्स का ताज पहनने का विशेषाधिकार उनमें से एक है।

रोमानोव इंपीरियल विवाह मुकुट

1952 में पेजेंट की स्थापना के बाद से, ब्यूटी क्वीन रॉयल्टी द्वारा पहने गए 9 अलग-अलग मुकुट हैं। सबसे पहले मिस यूनिवर्स का ताज पहनाया गया जो वास्तव में रॉयल्टी का था। रोमानोव इंपीरियल शादी का मुकुट जो पहले एक रूसी जार के स्वामित्व में था, का उपयोग तब किया गया था जब फ़िनलैंड के आर्मी कुसेला ने जीत हासिल की थी। ऐसा माना जाता है कि इसे लगभग 1,535 निर्दोष हीरों से बनाया गया है। विडंबना यह है कि एक "मिस" को सम्मानित करने के लिए एक गुप्त मुकुट का इस्तेमाल किया गया था।

पहली मिस यूनिवर्स। फ़िनलैंड की आर्मी कुसेला 1952 की मिस यूनिवर्स बनीं

मिस यूनिवर्स संगठन से फोटो

धातुई कांस्य मुकुट

मिस यूनिवर्स १९५३. फ्रांस के क्रिस्टियन मार्टेल जज जेफ चांडलर के साथ पोज देते हुए.

मिस यूनिवर्स संगठन से फोटो

अगले वर्ष, मिस यूनिवर्स के ताज को धातु के कांस्य से बदल दिया गया। फ्रांस की क्रिस्टियन मार्टेल 1953 में मिस यूनिवर्स बनीं और इस डिजाइन को पहनने वाली एकमात्र विजेता थीं। It is probably the most unusual of all the crowns because it featured a very solid design and did not feature crystals or rhinestones unlike the other crowns.

Star of the Universe

Miriam Stevenson, Miss USA 1954, from South Carolina, was the first Miss USA to become Miss Universe. She was also the first titleholder to obtain a college degree while holding the title.

Photo from Miss Universe Organization

From 1954 to 1960, the design known as the Star of the Universe became the Miss Universe crown. It "consisted of approximately 1,000 Oriental cultured and black pearls set in solid gold and platinum," with a weight of 1.25 pounds. It is said to be valued at $500,000.

The rhinestone crown

MISS UNIVERSE 1961. Marlene Schmidt, the first Miss Universe from Germany, won her title in Miami Beach, Florida

Photo from Miss Universe Organization

MISS UNIVERSE 1962. Argentina's Norma Nolan poses for an official photo. Each Miss Universe will be featured in thousands of photos during her reign and will sign just as many autographs.

Photo from Miss Universe Organization

In 1961, the Miss Universe Organization wanted to have a special crown to commemorate its 10th anniversary. It was the first time that a rhinestone crown was introduced and Marlene Schmidt of Germany won. Marlene and her successor, Argentina's Norma Nolan, became the only two winners with the distinction of wearing the rhinestone crown.

The Sarah Coventry crown

MISS UNIVERSE 1963. Brazil's Ieda Maria Vargas takes her walk after winning the title.

Photo from Miss Universe Organization

The year 1963 ushered in the pageant's most famous crown – the one designed by renowned jewelry maker Sarah Coventry. Ieda Maria Vargas of Brazil, Miss Universe 1963, had the privilege of being the first winner to use this crown. The Philippines' Gloria Diaz, Miss Universe 1969, also wore this during her reign. The last winner to wear the Sarah Coventry crown was Miss Universe 2001, Denise Quiñones of Puerto Rico.

Many pageant fans were very upset upon finding out that the much-loved crown would be replaced. It ended the era of tradition and ushered in the crown sponsorship years and more frequent crown changes.

MUCH-LOVED CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones wearing the Sarah Coventry crown.

Photo from Miss Universe Organization

The Mikimoto Crown

Below is a photo of Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowning Miss Universe 2002 Oxana Federova. This picture clearly shows the two different crowns. It would be very rare to see this in future pageants because the outgoing queen no longer wears her crown during the crowning moment.

NEW CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowns 24-year-old Oxana Fedorova, of Russia, as Miss Universe 2002.

Photo from Miss Universe Organization

"The Miss Universe crown used from 2002–2007 was designed by Mikimoto, the official jewelry sponsor of the Miss Universe Organization, and depicted the phoenix rising, signifying status, power, and beauty. The crown has 500 diamonds of almost 30 carats (6.0 g), 120 South Sea and Akoya pearls, ranging in size from 3 to 18 mm diameter and is valued at $250,000. The Crown was designed specifically for the pageant on Mikimoto Pearl Island in Japan with the Mikimoto crown and tiara being first used for Miss Universe 2002. The crown has an accompaniment of a tiara which will be given to the winner after her reign."

Although the crown was very beautifully designed, some pageant fans were quick to speculate that switching to it brought bad luck. Several months after being crowned with the new Mikimoto crown, Federova became the first Miss Universe titleholder to be dethroned.


A brief guide to buttons

We often dismiss buttons as a clothing sideshow – the work horses of the accessories world. But early buttons were in fact more akin to jewellery than the modern-day fastenings we’re familiar with.

At 5,000 years old, an ornamental button made from shell, and found in Pakistan is currently considered to be the oldest button in existence. Other early buttons were made out of materials including bone, horn, bronze and wood.

Later, buttons took on more practical duties. In ancient Rome buttons were used to secure clothes, some having to support reams of fabric at a single point. But they were still a far cry from the slim, functional buttons you’re familiar with on your shirts and suits.

The Middle Ages: the invention of buttonholes

Image source: Shutterstock
Buttonholes didn’t make their first appearance until the 13th century

Buttons being used as clothing fasteners continued for centuries. But it wasn’t until the 13th century that proper buttonholes were being sewn into clothes, and with them, new possibilities for clothing arose.

Buttons with actual buttonholes rather than looser toggles meant that clothes could have a much more form-fitting shape.

For all their prominence, buttons were still largely the privilege of the wealthy during this period. In the medieval era, buttons meant serious wealth – for both the wearer and the maker.

Many buttons were made with precious metals and costly fabrics, and as Slate points out, this era was

a time when you could pay off a debt by plucking a precious button from your suit.”

Towards the Renaissance, some larger buttons took on additional functions they were used to hide keepsakes and stolen booty in small hidden chambers.

औद्योगिक क्रांति

Image source: Hugh McCormick Smith / Public domain
The inside of a busy button factory around the turn of the 19th century.

Of course, the less wealthy had buttons, too. These tended to be crudely made at home, until the Industrial Revolution, which ushered in the democratisation of buttons.

Around this time, the flat, four-holed button that we’re all familiar with emerged. Although the materials used have developed and the process refined since then it is still essentially the same button. This period also saw a rise in popularity for brass buttons on both military and civilian clothing.

The most popular buttons of the later half of the 19th century were made of black glass an imitation of Queen Victoria’s habit of wearing black buttons following the death of Prince Albert. With her loyal subjects adopting her style, black glass fasteners became the most widespread variety of the 19th century.

Modern Buttons

Image source: Grey Fox
Leather buttons – sometimes called “football buttons” after old-school leather footballs.

20th century designers and fashionistas flipped the original decorative use of buttons on its head: they became working accessories. Mass-production and materials like plastic made them prevalent, despite the invention of zipper.

That doesn’t mean modern buttons can’t still pack a decorative punch. Advances in technology mean that teddy bear-shaped buttons for children’s clothes can be as easily made as more conservative, stylish buttons for a suit.

Today, buttons are, once again, a good indicator of quality clothing. With more choice on the market, traditional buttons are making a resurgence. As Permanent Style notes:

“English tailors prefer matte, horn buttons… The natural materials are, of course, also associated with better suits.”

Another button-based sign of distinction is a jacket sleeve with working cuff buttons, as seen on our own classic tweed jacket.

There are even rules about buttons there’s a rule relating to the correct way to button a suit jacket, for example. Edward VII was a portly king who couldn’t close his jacket all the way and Real Men Real Style explains:

“…as a result always left the bottom button undone. His subjects (either out of respect or fear), followed suit. The trend of leaving the bottom button undone caught on.”

Buttons as symbols

While ornate buttons aren’t the sole preserve of kings and aristocrats any more, they still serve as symbols of rank on military dress. Military expert, Kelly Badge, points out:

“buttons are as varied as cap badges. Each unit has its own unique regimental button, often with a crest and sometimes a crown,”

Such buttons can have meaning well beyond power and status. During World War II, a British soldier encountered a 12-year-old Jewish boy and his family fleeing from the Nazis. He pulled a button off his greatcoat to give the boy and advised them to go south through France, rather than towards Dunkirk.

The family eventually made their way to America where the button now sits in the collection of the United States Holocaust Memorial Museum.

Buttons have proven to be firmly fastened to the fabric of human society – at least the past five thousand years of it. Even with the development of zippers, poppers and velcro, buttons are still the fastening of choice for people the world over.

If you’ve still got burning button questions, check out our buttons infographic!

So are you a button man, or do you prefer the simplicity of the zip? Do you have any old buttons knocking around – perhaps some historical military ones? Share them with us on our Facebook page.


The 6,000-year-old Crown found in Dead Sea Cave

The oldest known crown in the world, which was famously discovered in 1961 as part of the Nahal Mishmar Hoard, along with numerous other treasured artifacts, was recently revealed in New York University's Institute for the Study of the Ancient World as part of the 'Masters of Fire: Copper Age Art from Israel' exhibit.

The ancient crown dates back to the Copper Age between 4000–3500 BC, and is just one out of more than 400 artifacts that were recovered in a cave in the Judean Desert near the Dead Sea more than half a century ago. The crown is shaped like a thick ring and features vultures and doors protruding from the top. It is believed that it played a part in burial ceremonies for people of importance at the time.

New York University wrote: “An object of enormous power and prestige, the blackened, raggedly cast copper crown from the Nahal Mishmar Hoard greets the visitor to Masters of Fire. The enigmatic protuberances along its rim of vultures and building façades with squarish apertures, and its cylindrical shape, suggest links to the burial practices of the time.”

The Nahal Mishmar Hoard was found by archaeologist Pessah Bar-Adon hidden in a natural crevice and wrapped in a straw mat in a cave on the northern side of Nahal Mishmar, which became known as the ‘Cave of Treasures’. The 442 prized artifacts made from copper, bronze, ivory, and stone, include 240 mace heads, 100 sceptres, 5 crowns, powder horns, tools and weapons.

Some of the items from the Nahal Mishmar Hoard. Credit: John Bedell.

Carbon-14 dating of the reed mat in which the objects were wrapped suggests that it dates to at least 3500 B.C. It was in this period that the use of copper became widespread throughout the Levant, attesting to considerable technological developments that parallel major social advances in the region.

Some of these objects are like nothing ever seen anywhere else. The round knobs are usually said to be mace heads, but there is no evidence that any of them were ever used in combat. The remaining objects are even more unusual and unique in style, such as the bronze sceptre depicted below.

Bronze sceptre from the Nahal Mishmar Hoard. Displayed at the Hecht Museum in Haifa. Credit: John Bedell.

The objects in the Nahal Mishmar hoard appear to have been hurriedly collected, leading to the suggestions that the artifacts were the sacred treasures belonging to the abandoned Chalcolithic Temple of Ein Gedi, some twelve kilometres away, which may have been hidden in the cave during a time of emergency.

Chalcolithic Temple above modern Kibbutz Ein Gedi. फोटो क्रेडिट: विकिपीडिया

Daniel Master, Professor of Archaeology at Wheaton College and a member of the curatorial team, said: “The fascinating thing about this period is that a burst of innovation defined the technologies of the ancient world for thousands of years.”

Jennifer Chi, ISAW Exhibitions Director and Chief Curator, added: “To the modern eye, it's stunning to see how these groups of people, already mastering so many new social systems and technologies, still had the ability to create objects of enduring artistic interest.”

The purpose and origin of the hoard remains a mystery.

Featured image: The oldest crown in the world, found in the Nahal Mishmar Hoard. ( Wikimedia).


How to Tell Fake Bronze in Sculptures

Ancient bronze sculptures and statuary are often worth large sums of money -- and wherever there's money, there's crime. An industry of forgery has sprung up to take advantage of the profits that can be reaped from selling fake bronze statues. Often made of resin or less valuable metals, fake bronzes will usually be given an artificial patina, imitating the genuine effect of aging on the surface of the metal. If you know what to look for, however, you can usually tell a fake from the real deal simply by using your powers of observation.

Check the price tag. If the statue looks like a steal, it probably is -- but you're the victim. Suspiciously low prices are often an indicator of shifty business.

Examine the craftsmanship. Many imitation bronzes feature shoddy detail work and generally appear to be of secondary quality when looked at closely. If the artwork is subpar, the chances of the sculpture being a fake are significantly higher, not to mention the fact that you're probably being charged more than the item is worth.

Look at the patina on the surface of the statue. Bronze develops an uneven brown and greenish hue over time that is most noticeable on ancient works that have been excavated. Forgeries often try to mimic this, but usually the results are less than convincing. Many fakes give the skin of the subject a uniform brown coloring, with the clothing taking on a more green hue. No genuine bronze will look like that.

Tap the sculpture to see whether it is made of genuine metal. A resin imitation sounds noticeably different from a real bronze statue. If you're still unsure, hold a lit match to the surface of the statue for several seconds. A bronze will show no visible changes, but a resin will immediately begin to bubble, giving itself away.


वह वीडियो देखें: 19 September. Current Affairs. 1-15 August Important Questions. Rapid Revision Kumar Gaurav Sir